Anna Bolena

“Cara Signora mia rispettabile e moltissimo amata.
Godo nell’annunziarle che la nuova opera del suo innamorato e celebre marito ha avuto un incontro quale non sarebbe stato possibile sperare migliore. Successo, trionfo, delirio, pareva che il pubblico fosse impazzito, tutti dicono che non ricordano di aver assistito mai ad un trionfo siffatto. Io ero così felice che mi veniva da piangere, pensa! Ed il mio cuore veniva verso di te e pensavo alla tua gioia se tu fossi stata presente, ma sai che io non voglio esporti ad emozioni così forti, perché s’ha un bel dire, ma sono emozioni che par di morire, quando ancora non si è sicuri dell’esito. [...]”
Alla conferenza stampa di presentazione della nuova produzione operistica 2023 a Lugano ho letto il testo della lettera che Donizetti forse inviò nel dicembre 1830, dopo la prima di Anna Bolena al Teatro Carcano di Milano, alla moglie. Mi sento molto vicino a Gaetano, sia per la sua maniera profonda e raffinata di comporre Musica, sia per le vicende familiari e i tremendi lutti che lo colpirono.
In verità della lettera non si è trovato l’originale e molti anni dopo, quando il compositore riferisce di Milano, non cita ricordi piacevoli. Ma la vita lo aveva provato duramente.
“Senza Padre, senza madre, senza moglie, senza figli… per chi lavoro dunque”.
La forza di Donizetti, e di tanti artisti che nel dolore trovano nella musica conforto e ragione, sta nell’ispirarsi a grandi ideali di crescita morale, spirituale e di generosità per sé e per l’umanità.
Anna Bolena è il primo grande capolavoro serio su libretto di Felice Romani e con sul palco i maggiori interpreti dell’epoca (Giuditta Pasta e Giovanni Battista Rubini). Proprio la presenza di due divi, a cui vengono affidate arie con possibili ripetizioni atte a valorizzare gli aspetti improvvisativi di virtuose variazioni, rende l’opera lunga e impegnativa per tutti i ruoli principali, per l’orchestra e per il pubblico.
Le prossime opere dedicate a Regine avranno una durata più breve.
Con una fruizione “moderna” in cui il pubblico resta seduto in silenzio (a differenza delle usanze ottocentesche in cui si entrava e usciva, si faceva vita sociale o ci si appartava nei palchi privati aprendo o chiudendo le tende a seconda del gradimento) qualche taglio si impone, ma ho deciso di essere molto parco e il più rispettoso possibile in questa operazione pur sapendo che in importanti esecuzioni storiche, anche al Teatro alla Scala, si era inciso moltissimo con le forbici.
Sulla questione dei registri e dei trasporti ho scelto di attenermi alle indicazioni della partitura.
L’Opera italiana è piena di episodi legati alle rivalità tra soprani. A un certo punto si è scelto di affidare al Soprano il ruolo principale e al Mezzosoprano il ruolo dell’antagonista (un esempio per tutti, Norma di Bellini). Ma se Giuditta Pasta disponeva di un ampio registro di soprano anche nel grave, Elisa Orlandi e, specialmente, in seguito Giulia Grisi nel ruolo di Giovanna Seymour erano soprani. Ho deciso di affiancare a Carmela Remigio (che per questo ruolo che ha fatto profondamente suo ha ricevuto il premio Abbiati) l’ottima Arianna Vendittelli. Nel ruolo di Enrico VIII ci sarà il debutto di Marco Bussi, che ha di recente magnificamente cantato con il Coro della RSI in Ticino il Requiem donizettiano dedicato a Bellini; uno dei migliori tenori del momento, Ruzil Gatin, affronterà l’impervio ruolo di Riccardo Percy eseguendolo quasi totalmente nelle acutissime tonalità originali. Gli altri ruoli sono impersonati da solisti di notevole fama, come Paola Gardina che incarna uno Smeton di grande forza e Luigi di Donato per un Lord Rochefort di gran lusso (e copertura di Enrico VIII), così come il Sir Hervey di Marcello Nardis.
Con questa produzione l’Associazione I Barocchisti, che si occupa dell’omonima orchestra barocca e del Coro della RSI, vara una nuova compagine strumentale dal nome “I Classicisti”; vi confluiscono musicisti che hanno passione per le esecuzioni su strumenti storici, dispongono dell’esperienza e degli strumenti necessari per affrontare il repertorio del primo Ottocento, sotto la guida del violino di spalla storico Duilio Galfetti.
La grande impresa di Norma con Cecilia Bartoli, le registrazioni e i concerti rossiniani a Salisburgo, Il barbiere di Siviglia a Lugano o l’integrale delle Sinfonie di Beethoven (per la catena televisiva franco-tedesca si è rappresentata la Svizzera con l’esecuzione al LAC della Pastorale) hanno attirato l’attenzione internazionale sul centro di produzione basato alla RSI di Lugano-Besso; ci è stato persino chiesto di ripetere l’esperienza con la Messa di Giacomo Puccini in vista del centenario della morte. Uno sviluppo naturale sulla via delle esecuzioni storicamente informate che altri direttori e complessi “barocchi” hanno seguito (Harnoncourt, Gardiner, Savall, Brüggen, Dantone, Antonini) e che suscitano quell’interesse che migliaia di compagini “moderne” non riescono sempre a stimolare.
Anna Bolena, a partire dall’importante ouverture, è un banco di prova straordinario per noi e per il pubblico. Il Barbiere rossiniano ha riaperto la strada dell’Opera nella Svizzera italiana e Anna Bolena dà avvio alla collaborazione con altri teatri (Modena, Piacenza, Reggio Emilia). Unire le forze è la sola via per poter affrontare in maniera razionale l’impegno di tante persone e i costi che una messa in scena operistica sempre comporta. Atteggiamento che sembra, in maniera inspiegabilmente autolesionistica, mancare in Ticino, ma che si spera possa prendere piede.
Un grazie quindi a Carmelo Rifici, a Michel Gagnon, alla RSI e alla Città di Lugano per mostrare la retta via.

La bellezza di quest’opera, ciò che di questa Bolena mi ha affascinato e sedotto, sta nella sua capacità ed elevatezza drammatica. Il libretto di Felice Romani non è solo di grande supporto alla musica, qui magistrale, di Donizetti, ma per la prima volta riesce a creare, insieme alla musica, un personaggio tragico a tutto tondo: Anna, vero fulcro drammatico di tutta l’opera, di una forza espressiva mai raggiunta in precedenza dal Romani. Non solo: la precisione psicologica dei personaggi, la capacità drammatica dei duetti, l’introspezione, così puntuale nel percorso che conduce Bolena fino alla morte, grazie alla sorprendente cabaletta, rendono quest’opera quasi unica. Sicuramente un punto di arrivo per lo stesso Donizetti. Quest’opera è per un regista una sfida davvero interessante. Fuori dalle opere cosiddette “conosciute” dal grande pubblico, in assenza di arie famose, la via crucis di Bolena si dispiega davanti ai nostri occhi in tutta la sua “oggettiva coerenza drammatica”. Qui bel canto e interpretazione magicamente si sposano.
Ascoltando l’opera non mi era possibile rinunciare ad un’immagine dinamica dello spettacolo.
La musica stessa sembra trasportarti in un mondo dove tutto di muove, senza sosta; nonostante i lunghi duetti, anzi proprio grazie alla lunghezza delle sezioni della partitura, è possibile al regista di penetrare nei labirinti mentali e spirituali dei personaggi. La trama interiore e quella narrativa si muovono insieme. La sensazione che resta addosso ad ogni ascolto è proprio questa: il dramma si muove minaccioso verso Anna. Il dato di realtà dell’opera è quello che evita di farne la storia di una vittima, di una martire. Anna si mostra dall’inizio consapevole delle sue ambizioni e della tragica conclusione che una cieca ambizione, che soffoca desideri e amori, è destinata a subire. Anna sa che avvicinarsi troppo a quella folle, patologica mente di Enrico VIII, non solo sia pericoloso, ma ineluttabilmente catastrofico. Ma l’ambizione non si ferma di fronte a niente. L’ambizione si muove spavaldamente, frenata solo in alcuni passaggi dove l’amore fa capolino. Un tentativo troppo fragile per arrestare il mare impetuoso della cieca bramosia del potere e del desiderio.
Questo eterno movimento, questa forza inarrestabile, così sottilmente amplificata da un coro tragico che accompagna sentimentalmente la tragedia fino alle sue nefaste conseguenze, mi ha fatto immaginare uno spazio scenico minaccioso e tumultuoso. Ho immaginato uno spazio che impedisce ai personaggi di trovare protezione o conforto. Uno spazio in bilico. Voglio restituire al pubblico quella stessa sensazione inarrestabile che ho provato anche io studiando l’opera. Lo spazio non è rassicurante, ma cangiante, labirintico. Porta i personaggi alla perdizione e allo smarrimento. Allo stesso tempo non è uno spazio realistico, ma dell’anima. Le stanze che i personaggi attraversano sono stanze interiori, aprono le porte alle loro paure, alle loro pulsioni più brutali. Per questo ho evitato dettagli troppo realistici, preferendo, al contrario, immaginare oggetti e suppellettili simbolici e artistici, capaci di contenere la forza brutale del dramma, ma anche di far vivere l’esigenza sentimentale dei personaggi, il loro bisogno di amore. Le famiglie reali inglesi hanno qualcosa di carismatico, generano in noi, ancora oggi, un turbamento. La storia dell’Inghilterra, che si svolga in un dramma elisabettiano, che finisca su un rotocalco, o, come in questo caso, sublimata nella musica donizettiana, non finisce mai di interrogarci. Apre in noi la questione morale dell’ambizione, del potere e della violenza. Senza nessun desiderio di attualizzazione, non volevo però, per amplificare questa fascinazione, incastrare lo spettacolo in una forma troppo classica, troppo distante da noi, ho preferito immaginare costumi non di epoca 500esca.

Esattamente come la scena, anche i costumi devono riverberare di quella forza drammatica di cui i personaggi sono intrisi. I costumi di questo spettacolo non sono “decorativi” ma “strutturali”, nei loro colori accesi, nella forza della loro materia, nel taglio contemporaneo, hanno il compito di creare nel pubblico un immaginario universale, capace ancora di parlarci, di renderci responsabili di una vicenda umana.
Viviamo in un tempo che non ha superato l’ambizione personale, anzi, la storia contemporanea ci mostra di quanta efferatezza si nutra il potere, ancora ingordo di ingiustizie. La forza di questa Bolena, che fa della sua protagonista un monito, troppo umano per lasciarci freddi e distaccati, sta proprio nella capacità del suo creatore di immedesimazione. La musica di Donizetti, il testo di Romani, sono così intrinsecamente legati, così drammaticamente reali nella loro evoluzione, che non potevano non essere assecondati nella regia. Auguro quindi agli spettatori di abbandonarsi a quel “viaggio” cupo e passionale, a quel movimento tragico della protagonista, che rimarca, oggi più di ieri, come la Hybris sia sempre e puntualmente punita dagli Dei.